En el vasto océano de la música experimental contemporánea, pocas voces logran conjugar con tal maestría la vulnerabilidad personal con la grandeza épica como lo hace Haley Fohr bajo el alias de Circuit des Yeux. Su más reciente álbum, Halo On The Inside (Matador Records, 2025), representa no solo la culminación de casi dos décadas de evolución artística, sino también una metamorfosis que redefine los límites entre lo experimental y lo accesible, entre la oscuridad gótica y la catarsis danzante.vibras+2
Los orígenes: De Indiana a Chicago, construyendo un universo sonoro
Haley Fohr nació el 16 de diciembre de 1988 en Lafayette, Indiana, en el corazón del Medio Oeste estadounidense. Su historia personal está marcada por una crisis temprana que definiría tanto su trayectoria vital como artística: tras inscribirse en ingeniería nuclear, experimentó una severa depresión que la mantuvo postrada durante todo 2008. “No me levantaba de la cama. No me peinaba. No comía… simplemente permanecía acostada”, recordaría años después. Fue precisamente la música la que la sacó de ese abismo, convirtiéndose no solo en su salvación personal sino en el vehículo para explorar la condición humana desde sus aspectos más vulnerables.music.apple+2
En 2007, Fohr comenzó a grabar bajo el nombre Circuit des Yeux —literalmente “circuito de los ojos” en francés—, una expresión que ella misma describe como “el nervio que permite mirar al ojo”, aunque reconoce que funciona como un ready-made interpretable por cada oyente. Su debut, Symphone (De Stijl, 2008), fue seguido por Sirenum (2009) y Portrait (2011), trabajos que establecieron los cimientos de su estética: folk experimental de baja fidelidad, guitarras de 12 cuerdas procesadas y, sobre todo, esa voz barítono de cuatro octavas que se convertiría en su sello distintivo.wikipedia+2
Discografía: La evolución de una visionaria
La trayectoria discográfica de Circuit des Yeux puede dividirse en tres períodos claramente definidos. El período formativo (2008-2013) incluye los álbums mencionados más el autoeditado Overdue (2013), que marcó su transición hacia un sonido más estructurado y llamó la atención de la crítica especializada. Durante estos años, Fohr desarrolló su lenguaje personal: composiciones que oscilan entre la canción folk y el collage sonoro, siempre atravesadas por esa voz inquietante que evoca tanto a Nico como a Diamanda Galás.thrilljockey+1
El período de consolidación (2014-2020) se inicia con su mudanza a Chicago en 2012 y su inmersión en la escena musical de la ciudad. Su primer álbum con Thrill Jockey, In Plain Speech (2015), representa un punto de inflexión: por primera vez grabó con una banda completa, incluyendo a figuras clave de la escena experimental chicagüense como Cooper Crain (Cave, Bitchin Bajas) y Whitney Johnson (Verma). La crítica lo recibió como una obra maestra, destacando su capacidad para dirigirse directamente al oyente con frases como “Do the dishes” —una meditación sobre la hermandad femenina— y explorar la ansiedad social contemporánea.wikipedia+1
Reaching for Indigo (Drag City, 2017) consolidó su reputación internacional. Descrito como su “magnum opus” por la crítica, el álbum surgió de una experiencia transformativa en 2016 donde Fohr experimentó lo que describe como un “despertar espiritual” tras encontrarse convulsionando y llorando. Esta revelación se tradujo en una obra que combina belleza y terror, caracterizada por atmósferas misteriosas y arreglos más sofisticados.reddit
Durante este período también desarrolló su alter ego Jackie Lynn, un personaje ficticio que le permitió explorar territorios más bailables y narrativos. El álbum homónimo Jackie Lynn (Thrill Jockey, 2016) y su continuación Jacqueline (Drag City, 2020, en colaboración con Bitchin Bajas) demuestran la versatilidad de Fohr, incorporando elementos de country, disco y synth-pop sin abandonar su sensibilidad experimental.filtermexico+2
El período de madurez artística (2021-presente) se inaugura con -io (Matador, 2021), su trabajo más ambicioso hasta la fecha. Grabado con una orquesta de 24 músicos en Electrical Audio y mezclado por Marta Salogni (Björk, Holly Herndon), el álbum surgió del duelo personal: la pérdida de su abuela y un amigo cercano la sumieron en un período de aislamiento que se extendió durante la pandemia. “-io es como un cuaderno de viaje, una herramienta con la que he puesto fin a esa etapa de mi vida”, explicó Fohr.ocimagazine+2
Halo On The Inside: Metamorfosis y renacimiento
Halo On The Inside, lanzado el 14 de marzo de 2025, marca una nueva metamorfosis en la carrera de Fohr. El álbum, producido por Andrew Broder (Bon Iver, Moor Mother, Lambchop), representa “la mariposa y la bestia”: un muro de sonido hedonista, aventurado, apto para paganos. Por primera vez en su carrera, Fohr abraza completamente la electrónica, los sintetizadores y los ritmos industriales, creando lo que algunos críticos han definido como “synth-pop oscuro” o “gótico de pista de baile”.jenesaispop+4
El proceso creativo fue radicalmente diferente a trabajos anteriores. Fohr trabajó completamente sola en su estudio del sótano de Chicago, de 9 de la noche a 5 de la mañana durante ocho meses. “Estas horas nocturnas no deben entenderse como sombrías y aislantes. Era un espacio silencioso para la exploración desinhibida”, explica la artista. Un viaje a Grecia despertó su fascinación por la figura de Pan, el dios mitad hombre, mitad cabra, cuya historia de transformación, melodía, fertilidad y eventual muerte sirvió como moodboard conceptual para el álbum.rockdelux+3
Musicalmente, el disco se abre con dos singles de synth-pop oscuro: “Megaloner” y “Canopy of Eden”, que estudian los estilos de Depeche Mode y las bandas sonoras de películas de terror. “Megaloner”, según Fohr, “es un himno para el lugar que existe después de una acción y dentro de sus consecuencias. Se pagan precios y la esperanza es nuestra moneda”. El corazón del álbum lo ocupa “Skeleton Key”, una pieza que evoluciona de himno a piano y cuerdas hacia una “balada con brillantina de los ochenta que podría haber firmado una Sade darkwave”.mrindie+1
La voz como instrumento de transformación
El elemento más distintivo de Circuit des Yeux sigue siendo la voz de Fohr: un registro barítono de cuatro octavas que ha sido comparado con Nico, Scott Walker, ANOHNI y Diamanda Galás. “Me han comparado con muchas otras mujeres… Me encantan todas estas cantantes y su música, y sólo puedo esperar que yo esté llevando bien el bastón, como la encargada de llevar el fuego en las Olimpiadas”, reflexiona.thequietus+2
Su técnica vocal, desarrollada a través de 10 años de entrenamiento clásico, le permite navegar desde susurros confesionales hasta alaridos operísticos. En Halo On The Inside, esta versatilidad se despliega sobre paisajes electrónicos que amplifican tanto su poder dramático como su intimidad. La crítica ha destacado que “incluso cuando no pronuncia palabra alguna”, su voz reclama toda la atención.local+1
Recepción crítica y impacto cultural
Halo On The Inside ha sido recibido como “el disco revelación de esta artista que lleva más de 15 años en esto”. Jenesaispop lo describe como “el repertorio más inmediatamente accesible de la carrera de Circuit des Yeux”, mientras que PopMatters lo califica como “alquimia de los tiempos modernos”. La crítica coincide en que representa la llegada definitiva de Fohr a la madurez artística, donde ya no es necesario clasificarla dentro de géneros específicos.popmatters+1
El álbum ha sido interpretado como una meditación sobre la transformación personal y la búsqueda de conexión humana en tiempos de aislamiento. Fohr explica que durante su creación estuvo “pensando en reformular mis relaciones con los humanos, y de alguna manera experimentar con la idea del amor en todas sus formas a través de lo platónico, romántico y entre especies”.vibras
Influencias y contexto musical
Circuit des Yeux se inscribe en una tradición de artistas que han explorado los límites entre la música experimental y la canción popular. Sus influencias declaradas incluyen desde Scott Walker —con quien ha sido consistentemente comparada— hasta figuras del gótico como Dead Can Dance y Sisters of Mercy. Sin embargo, su trabajo trasciende las referencias para crear un universo sonoro completamente personal.jenesaispop+1
Su música dialoga con contemporáneos como Chelsea Wolfe, Anna von Hausswolff o Julia Holter, pero mantiene una identidad inconfundible basada en esa combinación única de vulnerabilidad emocional, experimentación sónica y presencia vocal arrolladora. En el contexto del indie experimental estadounidense, Circuit des Yeux representa una voz singular que ha sabido evolucionar sin traicionar sus principios estéticos fundamentales.
Legado y proyección futura
Con Halo On The Inside, Haley Fohr ha demostrado que la experimentación y la accesibilidad no son términos mutuamente excluyentes. El álbum funciona tanto como una obra de arte conceptual sobre la metamorfosis personal como una colección de canciones inmediatamente impactantes. Su capacidad para reinventarse manteniendo coherencia artística la posiciona como una de las voces más relevantes de la música experimental contemporánea.
La gira mundial que acompaña el lanzamiento, incluyendo presentaciones como telonera de Alan Sparhawk (Low) y shows con banda completa, promete consolidar su estatus como performer excepcional. Su habilidad para traducir estas atmósferas de estudio al formato en vivo ha sido consistentemente elogiada por la crítica.rockdelux
Conclusión: El halo como metáfora
Halo On The Inside no es solo el título de un álbum; es una declaración de principios sobre la naturaleza paradójica de la transformación personal. En manos de Haley Fohr, el “halo interior” se convierte en símbolo de esa luz que emerge de la oscuridad, de la belleza que surge del dolor, de la conexión que nace del aislamiento.
Después de casi dos décadas construyendo su propio lenguaje musical, Circuit des Yeux ha entregado su obra más completa y ambiciosa: un álbum que confirma que la música experimental puede seguir siendo vehículo tanto de exploración artística como de catarsis emocional. En un mundo saturado de estímulos, Fohr nos recuerda que aún es posible crear espacios sonoros genuinamente transformadores, donde la vulnerabilidad y la fuerza coexisten en perfecta tensión.
